Jaké jsou nejlepší tipy pro ladění orchestru?
Aby to znělo dobře během zkoušky nebo výkonu, musí orchestry před každým výkonem pečlivě vyladit. Vyladění orchestru je složité umění, protože dva až tři desítky hudebníků, z nichž všichni hrají nástroje s různými vlastnostmi, se musí nějak pokusit získat poznámku, která by zněla stejná po celé skupině. Tento proces může být snazší, pokud si hudebníci jsou vědomi času potřebného pro ladění, nástroje požadované dílem, zvukem jejich nástroje, důležitá hřiště a správnou přípravu před nastupováním na pódium. Výsledkem je, že členové orchestru berou počáteční zvuk od hoboje jako signál ke hře, ne signál k poslechu. To je hlavní problém pro ladění orchestru, protože i když jsou hobojové schopny poskytnout velmi konzistentní, protože to může trvat několik sekund pro Oboistu, který sám poslouchá zvuk, který vyrábí, aby se postavilLe do nejlepšího, nejvíce solidního, plného tónu, který dokáže. Dobrý oboista netrvá dlouho, než vytvoří dobrý zvuk, ale členové orchestru stále potřebují čas na internalizaci zvuku, který Oboist vydá, než se pokusí naladit.
Za druhé, instrumentace někdy diktuje, co je metoda ladění orchestru ve skutečnosti nejlepší. Například v díle, která vyžaduje pouze klavír a struny, neexistuje žádná oboist. V tomto případě by koncertní mistr v ideálním případě měl vzít jeho A z klavíru, který nelze naladit, a pak dát jeho zbytek skupiny. Dalším příkladem je, pokud práce obsahuje hřiště dronů, v takovém případě může hlavní hudebník sekce hrající robota chtít znít dronem pro ladění. Režiséři tedy mohou být poněkud flexibilní z hlediska toho, který hudebník poskytuje hřiště na ladění, a všichni hudebníci by měli pohodlně znít na ladicí referenční hřiště pro druhou members skupiny.
připojeno k konceptu orchestrace v ladění orchestru je myšlenka zabarvení nebo kvality zvuku. Hoboj, i když stabilní nástroj z pohledu hřiště, má nesmírně odlišný tón než jakýkoli jiný nástroj. Někteří hudebníci považují za mnohem snazší naladit se s nástroji v jejich vlastní rodině kvůli zabarvení rozdílů. Podle tohoto principu, ačkoli hřiště hostujícího může sloužit jako odkaz, ředitelé každé části by vedli ladění pro jejich jednotlivé části. To by mohla být dobrá volba, pokud kus skutečně zvýrazňuje každou sekci.
Čtvrtým problémem s laděním orchestru je stav myslitelů hudebníka. Dokonce i vyškolení profesionální hudebníci mohou stále dostat spěch adrenalinu a cítit se nadšeni, než hrají na jevišti. Během ladění je běžné hrát příliš hlasitě, ne -li kvůli nervozitě nebo adrenalinu, pak kvůli obvykle podvědomé touze říci publiku „Jsem tady a připraven hrát! Poslouchejte, jak dobrý jsemZvuk! "Je užitečné nenechat emoce řídit to, co se děje během procesu ladění. Hrajte jen tak hlasitě, jak je nutné, abyste jasně slyšeli ladicí hřiště s dobrým tónem.
Kromě toho jsou různé poznámky důležitější pro naladění určitých nástrojů než jiné. Například na pikkolu nebo flétnu je obvykle důležitější mít horní rozsah nástroje v melodii, zatímco klarinetista může chtít zkontrolovat tóny v krku. Pokračujte a zkontrolujte tato hřiště během hraní volného hraní, ke kterému dochází před oficiálním koncertem A od Oboist, nebo jakmile jiní hudebníci měli příležitost naladit jejich AS. Ačkoli „poslouchání“ na nejnižší roztečí každé rodiny nástrojů je dobrá rada, některé nižší nástroje, jako je fagot, nejsou pro účely ladění tak spolehlivé, takže nalaďte na to, co je konzistentní, ne nutně založeno na dosahu.
Poslední tip na ladění koncertu, i když se to může zdát zřejmé, je to, že je nezbytné se dostat co nejblíže k „v melodii“ aje možné, než vyrazíte na jeviště. Účelem toho je, že ladění na jevišti je pouze minimální a dokončení trvá méně času. Dirigent nechce, aby nástroje vyladily více než instrumentalisté nebo publikum, a bude čekat, až bude správně projít procesem ladění, ale stále chce být efektivní a co nejdříve se dostat k hudbě ve prospěch publika.