オーケストラのチューニングに最適なヒントは何ですか？

リハーサルやパフォーマンス中に良好に聞こえるように、オーケストラは各パフォーマンスの前に慎重に調整する必要があります。オーケストラチューニングは複雑なアートであり、2〜3ダースのミュージシャンがすべて異なる資質を持つ楽器を演奏しているため、グループ全体を通して同じように聞こえるメモを取得しようとする必要があります。ミュージシャンがチューニングに必要な時間、作品に必要な楽器、彼らの楽器の音、重要なピッチ、そしてステージに就く前に適切な準備を知っている場合、プロセスは簡単かもしれません。その結果、オーケストラのメンバーは、オーボエからの最初のサウンドを、耳を傾ける信号ではなく、演奏するシグナルのようなものです。これはオーケストラのチューニングの大きな問題です。なぜなら、Oboesは非常に一貫性を提供できるとしても、彼自身が生み出している音を聞いていることを聴いているオボイストにとって数秒かかる可能性があるからです。彼が作ることができる最高の、最も堅実な、フルトーンにル。良いオボイストは良いサウンドを生み出すのに時間がかかりませんが、オーケストラのメンバーは、チューニングを試みる前にオボイストが作る音を内面化する時間が必要です。

第二に、計装は、実際にどのオーケストラの調整方法が最適かを決定することがあります。たとえば、ピアノと弦のみを必要とする作品では、オボイストはいません。この例では、コンサートマスターは理想的にはピアノから彼を連れて行く必要があります。別の例は、作業にドローンピッチが含まれている場合です。その場合、ドローンを演奏するセクションの主要なミュージシャンがドローンを調整するために鳴らしたいと思うかもしれません。したがって、監督はミュージシャンがチューニングピッチを提供するという点で多少柔軟になりたいと思うかもしれません。グループのers。

オーケストラのチューニングにおけるオーケストレーションの概念に関連する

は、音色または音質のアイデアです。オーボエは、ピッチの観点からの安定した楽器ですが、他のどの楽器とは大きく異なるトーンを持っています。一部のミュージシャンは、音色の違いのために自分の家族内の楽器に合わせやすいと感じています。この原則の下では、オーボエのピッチは参照として機能する可能性がありますが、各セクションのプリンシパルは個々のセクションのチューニングをリードします。ピースが本当に各セクションを強調している場合、これは良いオプションかもしれません。

オーケストラチューニングの4番目の問題は、ミュージシャンの心の状態です。訓練を受けたプロのミュージシャンでさえ、ステージでプレーする前に、まだアドレナリンのラッシュを獲得し、興奮するかもしれません。チューニング中にあまりにも大声でプレイするのが一般的です。緊張やアドレナリンのためではない場合は、聴衆に通常潜在意識の欲求のために「私はここにいてプレイする準備ができています！私がどれだけ良いか聞いてください音！」感情がチューニングプロセス中に起こることを動かさないでください。チューニングピッチを良いトーンではっきりと聞くために必要なだけ大声で遊ぶことができます。

さらに、他の機器よりも特定の楽器を調整するには、さまざまなメモが重要です。たとえば、ピッコロやフルートでは、器具の上部範囲を調整することが通常より重要ですが、クラリネット奏者は喉のトーンをチェックしたい場合があります。先に進んで、オボイストからの公式コンサートAの前に発生するフリープレイ中に、または他のミュージシャンがASを調整する機会があったらすぐにチェックしてください。各楽器ファミリの最低ピッチに「聞く」ことは良いアドバイスですが、バスーンなどの低い楽器は、チューニング目的では信頼できないため、必ずしも範囲に基づいているわけではありません。

コンサートチューニングの最後のヒントは、明らかに思えるかもしれませんが、「調整」に近づくことが不可欠であるということです。ステージに出る前に可能です。これを行う目的は、ステージ上でのチューニングが最小限であり、完了するのに時間がかからないようにすることです。指揮者は、楽器奏者や聴衆よりも楽器を調整したくないので、チューニングプロセスを適切に通過するのを待ちますが、彼はまだ効率的であり、観客の利益のためにできるだけ早く音楽に到達したいと考えています。