Hva er de beste tipsene for innstilling av orkester?

For å høres bra ut under øving eller ytelse, må orkestre stille inn nøye før hver forestilling. Orkesterinnstilling er en kompleks kunst, ettersom to til tre dusin musikere, som alle spiller instrumenter med forskjellige egenskaper, på en eller annen måte må prøve å få et notat for å høres det samme gjennom hele gruppen. Prosessen kan være enklere hvis musikere er klar over tiden som trengs for innstilling, instrumentene som kreves av stykket, lyden av instrumentet, viktige plasser og riktig forberedelse før du tar scenen.

For ofte føler orkestre presset av det ventende publikummet for å skynde seg gjennom innstillingsprosessen. Resultatet er at medlemmer av orkesteret tar den første lyden fra oboen som et signal om å spille, ikke et signal om å lytte. Dette er et stort problem for innstillingle inn i den beste, mest solide, full tonen han kan lage. En god oboist tar ikke lang tid å produsere en god lyd, men medlemmer av et orkester trenger fortsatt tid til å internalisere lyden oboisten lager før de prøver å stille inn.

For det andre dikterer instrumentering noen ganger hvilken orkesterstemmemetode faktisk er best. For eksempel, i et verk som bare krever piano og strenger, er det ingen oboist. I dette tilfellet bør konsertmesteren ideelt sett ta sin A fra pianoet, som ikke kan stille inn, og deretter gi hans en til resten av gruppen. Et annet eksempel er hvis arbeidet inneholder en drone tonehøyde, i hvilket tilfelle hovedmusikeren til seksjonen som spiller dronen, vil kanskje høres dronen for innstilling. Regissører vil derfor kanskje være noe fleksibel når det gjelder musiker som leverer tuning tonehøyde, og alle musikere bør være komfortableers av gruppen.

Koblet til begrepet orkestrering i orkesterinnstilling er ideen om klang, eller lydkvalitet. Selv om det er et stabilt instrument fra tonehøydeperspektivet, har en enorm annen tone enn noe annet instrument. Noen musikere synes det er mye lettere å stille inn instrumenter i sin egen familie på grunn av klangforskjeller. Under dette prinsippet, selv om oboses tonehøyde kan tjene som referanse, vil rektorene i hver seksjon føre innstilling for deres individuelle seksjoner. Dette kan være et godt alternativ hvis et stykke virkelig fremhever hver seksjon.

Et fjerde problem med orkesterinnstilling er musikerens sinnstilstand. Selv trente profesjonelle musikere kan fremdeles få rush av adrenalin og føle seg spent før de spiller på scenen. Det er vanlig å spille for høyt under innstilling, hvis ikke på grunn av nervøsitet eller adrenalin, så på grunn av det vanligvis underbevisste ønsket om å si til publikum "Jeg er her og klar til å spille! Lytt til hvor bra jegLyd! "Det er nyttig å ikke la følelser drive det som skjer under innstillingsprosessen. Spill bare så høyt som nødvendig for å høre innstillingene tydelig med god tone.

I tillegg er forskjellige notater viktigere å stille inn for visse instrumenter enn andre. For eksempel, på en piccolo eller fløyte, er det viktigere å ha det øvre området av instrumentet i melodi, mens en klarinettist kanskje vil sjekke halsen. Gå videre og sjekk de plassene under friluftslivet som oppstår før den offisielle konserten A fra oboisten, eller så snart andre musikere har hatt muligheten til å stille inn AS. Selv om "å lytte ned" til de laveste tonehøydene i hver instrumentfamilie er gode råd, er noen lavere instrumenter som fagott ikke like pålitelige for innstilling, så still inn det som er konsistent, ikke nødvendigvis basert på rekkevidde.

Det siste tipset for konsertinnstilling, selv om det kan virke åpenbart, er at det er viktig å komme så nær "i samsvar" aer mulig før du går ut på scenen. Hensikten med å gjøre dette er slik at innstillingen på scenen bare er minimal og tar mindre tid å fullføre. Lederen ønsker ikke instrumenter ut av stemningen mer enn instrumentalistene eller publikum gjør og vil vente med å gå gjennom innstillingsprosessen på riktig måte, men han vil fortsatt være effektiv og komme til musikken så snart som mulig til fordel for publikum.