¿Qué es el teatro neoclásico?
El teatro neoclásico, a menudo deletreado como teatro, se refiere a un movimiento a mediados del siglo XVIII a principios del XVIII en los que las artes teatrales se definieron por las ideas y estilos de las antiguas sociedades griegas y romanas. Las personas de la época se enfocaron mucho en el decoro o el comportamiento digno y el realismo, y creían que las principales razones de una obra eran proporcionar entretenimiento y enseñar una lección. El gran e intrincado paisaje, el drama elaborado y la estricta preocupación por los clásicos fueron las asignaciones del movimiento, con la mayoría de las producciones también caracterizadas por el uso de cinco actos, pocas actuaciones y un alto nivel de improvisación. El movimiento comenzó en Francia pero se extendió rápidamente por toda Europa y más allá.
Principio guía de la época
La filosofía general durante la era neoclásica fue que los períodos anteriores habían sido demasiado laxos, centrándose en exceso en las emociones y el individuo. La gente de la época creía que era necesarioSary para ejercer cierta moderación como resultado y concentrarse más en lo que cada persona podría contribuir a toda la sociedad. Buscaron inspiración sobre cómo hacer esto en las culturas de los antiguos griegos y romanos, los clasicistas originales e intentaron regresar a la forma en que esos grupos habían manejado la vida y las artes.
.Las cinco reglas
La actitud de los neoclasicistas hacia el exceso y el individuo los llevó a desarrollar un conjunto estricto de pautas para lo que era apropiado en el teatro. Estos incluyeron cinco reglas básicas: pureza de forma, cinco actos, verosimilitud o realismo, decoro y propósito. Las casas de juego generalmente rechazaron guiones o producciones que no cumplían con estos requisitos.
dramaturgos y actores en el período neoclásico reconoció oficialmente solo dos tipos de obras de teatro: comedia y tragedia. Nunca los mezclaron, y la restricción condujo al uso deEl ahora conocido par de máscaras felices y tristes que simbolizan las artes teatrales. Además, las estipulaciones adicionales gobernaron el tema y los personajes que podrían aparecer en cada género de juego. Las comedias, que eran sátiras o comedias de modales, tendían a centrarse en los rangos inferiores de la sociedad, mientras que las tragedias retrataban la vida compleja y fatídica de las clases altas y los reales. La adhesión a estos géneros fue fundamental para el éxito de una obra, y desviarse de estos límites de clase fue en contra de la orden de los clásicos.
La idea de que una obra debe estructurarse con exactamente cinco actos con los tres principios, o unidades, ideada por Aristóteles. Como filósofo y analista, creía que el teatro bueno y realista requería la unidad de acción, el lugar y el tiempo, lo que significa muy pocas subtramas, restricción de cambios en la ubicación o la geografía y manteniendo la línea de tiempo de la trama en no más de 24 horas. Los dramaturgos que se trasladaron a diferentes formatos generalmente recibieron fuertes críticas.Además de la limitación de cinco actos, las producciones más serias recibieron solo una o un puñado de actuaciones, porque los involucrados querían evitar crear espectáculos y atraer a la élite o aprender en la sociedad, lo que resultó en audiencias mucho más pequeñas.
Las personas que viven en este período también generalmente esperaban que los actores fueran lo más realistas posible y retraten a sus personajes exactamente como se habrían comportado. En otros estilos de teatro, los actores eran conocidos por ser demasiado dramáticos o actuar fuera de su clase o papel, pero el neoclasicismo pidió una adherencia estricta a la clase, el estatus social, el temperamento y el género. Los elementos fantásticos o sobrenaturales, junto con soliloquios y coros, generalmente no estaban incluidos, porque no representaban experiencia o comportamiento del mundo real.
Decorum pidió guiones para demostrar la justicia en la forma en que los personajes fueron retratados y juzgados en el escenario. También significaba que la justicia se entregaría cuando sea necesario, por lo que hay génerosLly no fueron finales sorprendentes en el teatro neoclásico en el sentido de que los personajes con un buen juicio moral siempre fueron recompensados, y aquellos que habían tomado decisiones pobres o malvadas fueron castigados. Se suponía que las producciones finalmente cumplirían los propósitos de enseñar una lección moral y entretenimiento.
El escenario, los conjuntos y los disfraces
Los sets en el teatro neoclásico fueron dramáticos, elaborados y ricos. Fueron diseñados para proporcionar un exuberante telón de fondo para cada escena y para ayudar a la audiencia a perderse en el drama. Otro objetivo era proporcionar una ilusión realista de profundidad y percepción. Las etapas mismas fueron rediseñadas durante este período con arcos dramáticos para resaltar las escenas y múltiples puntos de entrada en el escenario. La idea de cambiar el paisaje y los fondos se vuelven más prominentes, particularmente con la invención de los sistemas de polea que permitieron que las piezas se movieran más rápidamente en el escenario. La iluminación y los efectos de sonido aumentaron el estado de ánimo y el mensaje de cada escena, mejorando TLa experiencia dramática.
Naturalmente, las prendas monótonas se habrían visto algo fuera de lugar en el contexto de estos nuevos conjuntos y diseños de escenario. Aunque los disfraces mantenían una sensación de realismo, todavía eran muy coloridos, a menudo usando encaje y otros adornos para que los hicieran más atractivos. A veces, los que están en la obra también usaban máscaras, manteniendo con el estilo Commedia Dell'arte.
improvisación
En muchos casos, los dramaturgos proporcionarían solo un esquema suelto de una trama, y se esperaba que los actores improvisaran para llenar cualquier vacío. Esto era más común con las comedias, pero ocurrió en ambas formas, porque presentar una actuación a menudo fue una decisión espontánea que no siempre permitía mucho tiempo para escribir o ensayar. En algunos grupos, las personas se especializaron en interpretar un número muy limitado de personajes para que pudieran capturar a las personas mejor en la marcha, y algunos actores se dedicaron a desempeñar los mismos roles en todas sus carreras.
.introducciónDuction of Women
Durante cientos de años, solo a los hombres se les permitió estar en el escenario. La opinión general era que las mujeres no deberían participar en los espectáculos públicos o poner en una posición más prominente, y algunas personas creían que las mujeres estaban tan ocupadas pensando en otras cosas que no podían recordar y entregar líneas adecuadamente. Los niños o hombres prepubescentes que podrían manipular sus voces tomaron roles femeninos como resultado. Sin embargo, durante el período neoclásico, a las mujeres se les permitió ser accionistas de compañías de teatro y participar en producciones, lo que resultó en algunas de las primeras actrices profesionales pagadas.
Los principales dramaturgos
Si bien hubo muchos dramaturgos exitosos durante el movimiento neoclásico, tres dramaturgos lograron una cantidad significativa de éxito y notoriedad. Pierre Cornielle (1606 - 1684) a menudo se llama el padre de la tragedia francesa, escribiendo guiones durante más de cuatro décadas. Jean-Baptiste Poquelin-mejor conocido comoMolière (1622 - 1673) es conocido por sus comedias. Jean Racine (1639 - 1699) fue un tragedia amado por su enfoque simplista de la acción y los ritmos y efectos lingüísticos que logró. Los tres hombres pudieron tomar elementos de la literatura clásica griega y romana y transformarlos en obras que se adhirieron a los estándares neoclásicos de decoro, tiempo y espacio.