新古典派の劇場とは何ですか？
新古典派の劇場 - しばしば劇場として綴られている - は、17世紀半ばから18世紀初頭の運動を指し、演劇芸術は古代ギリシャとローマの社会のアイデアとスタイルによって定義されていました。当時の人々は、礼拝、または威厳のある行動、そしてリアリズムに重点を置いており、彼らは演劇の主な理由はエンターテイメントを提供し、教訓を教えることであると信じていました。壮大で複雑な景色、精巧なドラマ、そして古典に対する厳格な懸念は、運動のharmarksであり、ほとんどのプロダクションは5つの行為、ほとんどパフォーマンス、高レベルの即興演奏を使用することで特徴付けられました。この運動はフランスで始まりましたが、ヨーロッパとそれ以上に急速に広がりました。
時代の指針
新古典時代の一般的な哲学は、前の時代が感情と個人に過度に焦点を合わせていたことでした。当時の人々は、それがnecであると信じていました結果として何らかの抑制を行使し、各人が社会全体に貢献できるものにもっと集中するために。彼らは、古代の古典主義者である古代ギリシャ人とローマ人の文化でこれを行う方法についてのインスピレーションを探し、それらのグループが生命と芸術を扱った方法に戻ろうとしました。
5つのルール
過剰に対するネオクラシストの態度と個人は、劇場で適切なものに対する厳格な一連のガイドラインを開発するように導きました。これらには、形式の純度、5つの行為、真実またはリアリズム、礼儀正しさ、目的の5つの基本的なルールが含まれていました。プレイハウスは一般に、これらの要件を満たしていないスクリプトまたはプロダクションを拒否しました。
新古典派時代の劇作家と俳優は、コメディと悲劇の2種類の劇のみを公式に認識しました。彼らはこれらを決して混合することはなく、制限はの使用につながりました演劇芸術を象徴する、今有名な幸せで悲しいマスクのペア。さらに、追加の規定により、各ジャンルのプレイに表示される可能性のある主題とキャラクターが支配されました。マナーのコメディであるコメディは、社会の低い階級に焦点を合わせる傾向があり、悲劇は上流階級と王室の複雑で運命的な生活を描いていました。これらのジャンルへの順守は、劇の成功にとって重要であり、これらのクラスの境界から逸脱することはクラシックの順序に反しました。
劇は、アリストテレスによって考案された3つの原則、または団結と結びついている正確な5つの行為で構成されるべきであるという考え。哲学者およびアナリストとして、彼は、良い現実的な劇場には、行動、場所、時間の統一、サブプロットが非常に少ないこと、場所や地理のシフトの制限、プロットのタイムラインを24時間以内に保つことを意味すると信じていました。さまざまな形式に移った劇作家は、通常、激しい批判に会いました。5幕の制限に加えて、ほとんどの深刻な作品には、1つまたはほんの一握りのパフォーマンスだけが与えられました。関係者は、眼鏡の作成を避け、エリートにアピールしたり、社会で学んだりしたいと考えていたためです。
この期間に住んでいる人々は、通常、俳優が可能な限り現実的であり、自分のキャラクターが振る舞うのとまったく同じように描写することを期待していました。他のスタイルの演劇では、俳優は階級や役割の外で劇的に劇的であるか、行動することで知られていましたが、新古典主義は、階級、社会的地位、気質、性別への厳格な順守を求めました。幻想的または超自然的な要素と、単独およびコーラスとともに、実際の経験や行動を表していないため、通常は含まれていませんでした。
decorumは、キャラクターが描かれ、ステージ上で判断される方法の公平性を示すためのスクリプトを求めました。それはまた、必要に応じて正義が届けることを意味していたので、そこに属Llyは、健全な道徳的判断を受けたキャラクターが常に報われ、貧弱なまたは邪悪な選択をした人々が罰せられたという意味で、新古典派の劇場で驚きの結末ではありませんでした。プロダクションは最終的に、道徳的な教訓と面白いことを教える目的を果たすことになっています。
ステージ、セット、衣装
新古典派の劇場のセットは、劇的で、精巧で豊かでした。彼らは、各シーンに青々とした背景を提供し、観客がドラマで自分自身を失うのを助けるように設計されました。別の目標は、深さと知覚の現実的な幻想を提供することでした。ステージ自体は、この期間中にドラマチックなアーチで再設計され、ステージへのシーンと複数のエントリポイントを強調しました。特にパーツがステージをより迅速に移動できるようにすると、景色や背景の変化のアイデアがより顕著になります。照明とサウンドエフェクトは、各シーンのムードとメッセージを高め、Tを強化します彼は劇的な経験です。
当然、単調な衣服は、これらの新しいセットとステージデザインのコンテキストでは、ある程度場違いに見えたでしょう。衣装はリアリズムの感覚を維持していましたが、彼らはまだ非常にカラフルで、しばしばレースやその他の装飾を使用してより魅力的にしていました。時々、劇中の人たちは、コメディアデルアルテスタイルに沿ってマスクを使用しました。
即興
多くの場合、劇作家はプロットのゆるい輪郭のみを提供し、俳優はギャップを埋めるために即興で即興で行うことが期待されていました。これはコメディでより一般的でしたが、両方の形式で発生しました。なぜなら、パフォーマンスを行うことは、執筆やリハーサルのために常に多くの時間を確保するとは限らなかった自発的な決定だったからです。一部の一団では、人々は非常に限られた数のキャラクターを演じることに特化したので、彼らはその場でよりよくペルソナをキャプチャできるようになり、数人の俳優がキャリア全体で同じ役割を演じることに専念しました。
イントロ女性の産物
何百年もの間、男性だけがステージにいることを許可されました。一般的な見方は、女性が公共の眼鏡に関与したり、より顕著な立場に陥ったりするべきではないということであり、一部の人々は、女性が他のことを考えるのに非常に忙しく、適切にラインを覚えて届けることができないと信じていました。結果として、声を操作できる前提条件の男の子または声を操作できる男性が女性の役割を果たしました。しかし、新古典派の時期には、女性は演劇会社の株主になり、プロダクションに参加することを許可され、最初のプロの有給女優の一部になりました。
主要な劇作家
新古典派の運動中に多くの成功した劇作家がいましたが、3人の劇作家がかなりの成功と悪名を達成しました。 Pierre Cornielle（1606 - 1684）は、しばしばフランスの悲劇の父と呼ばれ、40年以上にわたって台本を書いています。 Jean-Baptiste Poquelin - よりよく知られていますMolière（1622 - 1673） - 彼のコメディで知られています。ジャン・ラシーン（1639 - 1699）は、彼の行動に対する彼の単純なアプローチと彼が達成した言語のリズムと効果に対する悲劇的な愛されたものでした。これらの3人全員が、古典ギリシャ語とローマ文学から要素を取り、それらを飾り、時間と空間の新古典主義の基準に順守した劇に変えることができました。