Was ist neoklassisches Theater?
neoklassisches Theater-oft als Theater geschrieben-bezieht sich auf eine Bewegung Mitte des 17. bis frühen 18. Jahrhunderts, in der die Theaterkünste durch die Ideen und Stile der alten griechischen und römischen Gesellschaften definiert wurden. Die Zeit der Zeit stellten einen starken Fokus auf Anstand oder würdevolles Verhalten und Realismus, und sie glaubten, dass die Hauptgründe für ein Stück darin bestand, Unterhaltung zu liefern und eine Lektion zu erteilen. Große, komplizierte Kulissen, ein ausgeklügeltes Drama und die strenge Sorge um die Klassiker waren Ohrmarken der Bewegung, wobei die meisten Produktionen auch durch die Verwendung von fünf Akten, wenigen Leistungen und einem hohen Maß an Improvisation charakterisiert wurden. Die Bewegung begann in Frankreich, breitete sich aber schnell in Europa und darüber hinaus aus.
Die allgemeine Philosophie während der neoklassischen Ära war, dass die früheren Perioden viel zu locker waren und sich übermäßig auf Emotionen und das Individuum konzentrierten. Menschen der Zeit glaubten, dass es Näee warenSary, um infolgedessen etwas Zurückhaltung auszuüben und sich mehr auf das zu konzentrieren, was jeder Menschen zur gesamten Gesellschaft beitragen könnte. Sie suchten nach Inspiration darüber, wie man dies in den Kulturen der alten Griechen und Römer, der ursprünglichen Klassiker, und versuchten, auf die Art und Weise zurückzukehren, wie diese Gruppen mit dem Leben und den Künsten umgegangen waren.
Die fünf Regeln
Die Haltung der Neoklassiker zum Übermaß und die Person veranlasste sie, einen strengen Satz von Richtlinien für das zu entwickeln, was im Theater angemessen war. Dazu gehörten fünf Grundregeln: Reinheit der Form, fünf Akte, Wahrheit oder Realismus, Anstand und Zweck. Spielhäuser haben im Allgemeinen Skripte oder Produktionen abgelehnt, die diese Anforderungen nicht erfüllten.
Dramatiker und Schauspieler in der neoklassischen Zeit erkannten offiziell nur zwei Arten von Stücken: Komödie und Tragödie. Sie mischten diese nie zusammen und die Einschränkung führte zur Verwendung vonDas jetzt bekannte Paar fröhliche und traurige Masken, die die Theaterkünste symbolisieren. Darüber hinaus regierten zusätzliche Bestimmungen die Themen und Charaktere, die in jedem Spielgenre erscheinen konnten. Komödien, die entweder Satires oder Komödien von Manieren waren, konzentrierten sich tendenziell auf die unteren Gesellschaftsklänge, während Tragödien das komplexe und schicksalhafte Leben der Oberschicht und Royals darstellten. Die Einhaltung dieser Genres war für den Erfolg eines Stücks von entscheidender Bedeutung, und die Abweichung dieser Klassengrenzen widersprach den Orden der Klassiker.
Die Idee, dass ein Stück mit genau fünf Akten zu den drei Prinzipien oder Einheiten strukturiert werden sollte, die von Aristoteles entwickelt wurden. Als Philosoph und Analytiker glaubte er, dass ein gutes, realistisches Theater eine Einheit von Aktion, Ort und Zeit erforderte, was nur sehr wenige Nebenhandlungen, die Einschränkung der Veränderungen in Bezug auf Standort oder Geographie und die Timeline der Handlung auf nicht mehr als 24 Stunden erforderte. Dramatiker, die sich in verschiedene Formate bewegten, stießen normalerweise mit schwerer Kritik.Zusätzlich zu der Fünf-Akt-Begrenzung erhielten die meisten schwerwiegenden Produktionen nur eine oder eine Handvoll Aufführungen, da die Beteiligten vermeiden wollten, Brillen zu schaffen und die Elite oder die in der Gesellschaft erlernte Elite zu erfassen, was zu viel kleinerem Publikum führte.
Menschen, die in dieser Zeit leben, erwarteten auch normalerweise, dass Akteure so realistisch wie möglich sind und ihre Charaktere genau so darstellen, wie sie sich verhalten hätten. In anderen Theaterstilen waren die Schauspieler dafür bekannt, übermäßig dramatisch zu sein oder außerhalb ihrer Klasse oder Rolle zu handeln, aber die Neoklassizismus forderte strikte Einhaltung von Klassen, sozialem Status, Temperament und Geschlecht. Fantastische oder übernatürliche Elemente, zusammen mit Soliloquien und Chöre, wurden normalerweise nicht enthalten, weil sie keine echte Erfahrung oder Verhaltensweisen darstellten.
Decorum forderte Skripte, um Fairness in der Art und Weise zu demonstrieren, wie Charaktere auf der Bühne dargestellt und beurteilt wurden. Es bedeutete auch, dass Gerechtigkeit bei Bedarf geliefert wird, also gibt es GattungenLly war keine Überraschung, die im neoklassizistischen Theater in dem Sinne überraschend waren, dass Charaktere mit moralischem Urteilsvermögen immer belohnt wurden und diejenigen, die arme oder böse Entscheidungen getroffen hatten, bestraft wurden. Die Produktionen sollten letztendlich die Zwecke erfüllen, eine moralische Lektion zu erteilen und zu unterhalten.
Die Bühne, Sätze und Kostüme
Sets im neoklassischen Theater waren dramatisch, aufwändig und reichhaltig. Sie sollten jeder Szene eine üppige Kulisse bieten und dem Publikum helfen, sich im Drama zu verlieren. Ein weiteres Ziel war es, eine realistische Illusion von Tiefe und Wahrnehmung zu ermöglichen. Die Stadien selbst wurden in dieser Zeit mit dramatischen Bögen neu gestaltet, um die Szenen und mehrere Einstiegspunkte auf die Bühne hervorzuheben. Die Idee, Kulissen und Kulissen zu ändern, wird insbesondere mit der Erfindung von Riemenscheibensystemen, mit denen Teile schneller über die Bühne gehen konnten. Beleuchtung und Soundeffekte erhöhten die Stimmung und Botschaft jeder Szene und verbessern tEr dramatische Erfahrung.
Natürlich hätten Drab -Kleidungsstücke im Kontext dieser neuen Sets und Bühnendesigns etwas fehl am Platz ausgesehen. Obwohl Kostüme ein Gefühl des Realismus beibehalten hatten, waren sie immer noch sehr farbenfroh und verwendeten oft Spitzen und andere Verzierungen, um sie attraktiver zu machen. Manchmal benutzten diejenigen im Stück auch Masken, die sich mit dem Commedia Dell'arte -Stil befassen.
Improvisation
In vielen Fällen würden Dramatiker nur einen lockeren Umriss eines Grundstücks liefern, und von den Schauspielern wurde erwartet, dass sie improvisieren, um Lücken zu schließen. Dies trat bei Komödien häufiger auf, aber es trat in beiden Formen auf, da es oft eine spontane Entscheidung war, eine Aufführung aufzunehmen, die nicht immer viel Zeit zum Schreiben oder Proben zuließ. In einigen Truppen spezialisierten sich die Leute, die darauf spezialisiert waren, eine sehr begrenzte Anzahl von Charakteren zu spielen, damit sie im laufenden Fliegen die Personas besser erfassen konnten, und einige Schauspieler widmeten sich der gleichen Rollen über ihre gesamte Karriere.
IntroDuktion von Frauen
Hunderte von Jahren durften nur Männer auf der Bühne sein. Die allgemeine Ansicht war, dass Frauen nicht an öffentlichen Brillen involviert oder in eine herausragendere Position eingesetzt werden sollten, und einige Menschen glaubten, dass Frauen so beschäftigt waren, an andere Dinge zu denken, dass sie sich unmöglich erinnern und die Linien richtig liefern konnten. Vorpubertierende Jungen oder Männer, die ihre Stimmen manipulieren konnten, übernahm als Ergebnis weibliche Rollen. Während der neoklassischen Zeit durften Frauen jedoch Aktionäre von Theaterkompanien sein und an Produktionen teilnehmen, was zu den ersten der ersten professionellen bezahlten Schauspielerinnen führte.
Major Dramatwrights
Während es während der neoklassischen Bewegung viele erfolgreiche Dramatiker gab, erreichten drei Dramatiker einen erheblichen Teil des Erfolgs und der Bekanntheit. Pierre Cornielle (1606 - 1684) wird oft als Vater der französischen Tragödie bezeichnet und schreibt mehr als vier Jahrzehnte Skripte. Jean-Baptiste Poquelin-besser bekannt alsMolière (1622 - 1673) - ist für seine Komödien bekannt. Jean Racine (1639 - 1699) war eine Tragödie für seinen simplen Handlungsansatz und die sprachlichen Rhythmen und Effekte, die er erreichte. Alle drei dieser Männer konnten Elemente aus der klassischen griechischen und römischen Literatur aufnehmen und sie in Stücke verwandeln, die an den neoklassischen Standards von Anstand, Zeit und Raum hielten.