Qu'est-ce que le théâtre néoclassique?

Le théâtre néoclassique - souvent orthographié comme théâtre - fait référence à un mouvement du XXe au début du XIIIe Les gens de l'époque ont mis l'accent sur le décorum, le comportement digne et le réalisme, et ils pensaient que les principales raisons pour une pièce étaient de fournir des divertissements et d'enseigner une leçon. Des paysages grandes et complexes, un drame élaboré et une préoccupation stricte pour les classiques ont été les écouteurs du mouvement, la plupart des productions ont également caractérisé par l'utilisation de cinq actes, peu de performances et un haut niveau d'improvisation. Le mouvement a commencé en France mais se propage rapidement dans toute l'Europe et au-delà.

Principe directeur de l'époque

La philosophie générale de l'ère néoclassique était que les périodes précédentes avaient été beaucoup trop laxistes, se concentrant excessivement sur les émotions et l'individu. Les gens de l'époque croyaient que c'était nécessaireSary pour exercer une certaine retenue en conséquence et se concentrer davantage sur ce que chaque personne pourrait contribuer à l'ensemble de la société. Ils ont cherché une inspiration sur la façon de le faire dans les cultures des anciens Grecs et Romains, les classiques originaux, et ont tenté de revenir à la façon dont ces groupes avaient géré la vie et les arts.

les cinq règles

L'attitude des néoclassiciens envers l'excès et l'individu les ont amenés à développer un ensemble strict de directives pour ce qui était approprié dans le théâtre. Ceux-ci comprenaient cinq règles de base: la pureté de la forme, cinq actes, la vraisemblance ou le réalisme, le décorum et le but. Jouez aux maisons des scripts ou des productions généralement rejetés qui ne répondaient pas à ces exigences.

Les dramaturges et acteurs de la période néoclassique ne reconnaissaient officiellement que deux types de pièces: la comédie et la tragédie. Ils ne les ont jamais mélangés, et la restriction a conduit à l'utilisation deLa paire désormais connue de masques heureux et tristes qui symbolisent les arts théâtraux. De plus, des stipulations supplémentaires régissent le sujet et les personnages qui pourraient apparaître dans chaque genre de jeu. Les comédies, qui étaient soit des satires ou des comédies de manières, avaient tendance à se concentrer sur les rangs inférieurs de la société, tandis que les tragédies dépeigniaient la vie complexe et fatidique des classes supérieures et des Royals. L'adhésion à ces genres a été essentielle au succès d'une pièce, et s'écarter de ces limites de classe allait à l'encontre de l'ordre des classiques.

L'idée qu'une pièce doit être structurée avec exactement cinq actes liés aux trois principes, ou unités, conçus par Aristote. En tant que philosophe et analyste, il pensait que le bon théâtre réaliste nécessitait une unité d'action, de lieu et de temps, ce qui signifie très peu de sous-trotters, restriction des changements dans l'emplacement ou la géographie et garder le calendrier de l'intrigue à pas plus de 24 heures. Les dramaturges qui ont déménagé dans différents formats ont généralement rencontré de fortes critiques.En plus de la limitation en cinq actes, la plupart des productions graves n'ont reçu qu'une seule ou une poignée de performances, car les personnes impliquées voulaient éviter de créer des lunettes et de plaire à l'élite ou apprise dans la société, ce qui a abouti à un public beaucoup plus petit.

Les personnes vivant dans cette période s'attendaient généralement à ce que les acteurs soient aussi réalistes que possible et dépeignent leurs personnages exactement tels qu'ils auraient été comportés. Dans d'autres styles de théâtre, les acteurs étaient connus pour être trop dramatiques ou agir en dehors de leur classe ou de leur rôle, mais le néoclassicisme a appelé à une stricte adhésion à la classe, au statut social, au tempérament et au genre. Des éléments fantastiques ou surnaturels, ainsi que des soliloquies et des chœurs, n'étaient généralement pas inclus, car ils ne représentaient pas une expérience ou un comportement du monde réel.

Decorum a appelé les scripts pour démontrer l'équité dans la façon dont les personnages ont été représentés et jugés sur scène. Cela signifiait également que la justice serait rendue si nécessaire, donc il y a des genresLes fins ne sont pas une fin surprise dans le théâtre néoclassique dans le sens où les personnages ayant un jugement moral sain ont toujours été récompensés et que ceux qui avaient fait des choix pauvres ou mauvais ont été punis. Les productions étaient finalement censées remplir les objectifs d'enseigner une leçon morale et de divertir.

la scène, les ensembles et les costumes

Les ensembles dans le théâtre néoclassique étaient dramatiques, élaborés et riches. Ils ont été conçus pour fournir une toile de fond luxuriante à chaque scène et pour aider le public à se perdre dans le drame. Un autre objectif était de fournir une illusion réaliste de profondeur et de perception. Les étapes elles-mêmes ont été repensées au cours de cette période avec des arches dramatiques pour mettre en évidence les scènes et plusieurs points d'entrée sur la scène. L'idée de changer les paysages et les décors devient plus importante, en particulier avec l'invention des systèmes de poulies qui permettaient aux pièces de se déplacer plus rapidement à travers la scène. L'éclairage et les effets sonores ont augmenté l'ambiance et le message de chaque scène, améliorant tL'expérience dramatique.

Naturellement, les vêtements terne auraient semblé quelque peu déplacés dans le contexte de ces nouveaux ensembles et conceptions de scène. Bien que les costumes aient maintenu un sentiment de réalisme, ils étaient encore très colorés, utilisant souvent de la dentelle et d'autres embellissements pour les rendre plus attrayants. Parfois, ceux de la pièce ont également utilisé des masques, en continuant le style commandée de Dell'arte.

Improvisation

Dans de nombreux cas, les dramaturges ne fourniraient qu'un contour lâche d'un complot, et les acteurs devaient improviser pour combler les lacunes. Cela était plus courant avec les comédies, mais cela s'est produit sous les deux formes, car la performance était souvent une décision spontanée qui ne permettait pas toujours beaucoup de temps pour écrire ou répéter. Dans certaines troupes, des gens se sont spécialisés dans la lecture d'un nombre très limité de personnages afin qu'ils puissent mieux capturer des personnages à la volée, et quelques acteurs se sont consacrés à jouer les mêmes rôles sur toute leur carrière.

IntroDUCTION DES FEMMES

Pendant des centaines d'années, seuls les hommes ont été autorisés à être sur scène. L'opinion générale était que les femmes ne devraient pas être impliquées dans des lunettes publiques ou mettre dans une position plus importante, et certaines personnes croyaient que les femmes étaient si occupées à penser à d'autres choses qu'elles ne pouvaient pas se souvenir et livrer correctement les lignes. Des garçons ou des hommes prépubères qui pourraient manipuler leur voix ont pris des rôles féminins en conséquence. Pendant la période néoclassique, cependant, les femmes ont été autorisées à être actionnaires de compagnies de théâtre et à participer à des productions, ce qui a entraîné certaines des premières actrices payantes professionnelles.

PRAYURS MAJEURS

Bien qu'il y ait eu de nombreux dramaturges réussis pendant le mouvement néoclassique, trois dramaturges ont obtenu une quantité importante de succès et de notoriété. Pierre Cornielle (1606 - 1684) est souvent appelée le père de la tragédie française, écrivant des scripts pendant plus de quatre décennies. Jean-Baptiste Poquelin - mieux connu sous le nomMolière (1622 - 1673) - est connue pour ses comédies. Jean Racine (1639 - 1699) était un bien-aimé tragédien pour son approche simpliste de l'action et les rythmes et effets linguistiques qu'il a accomplis. Ces trois hommes ont pu prendre des éléments de la littérature grecque et romaine classique et les transformer en pièces qui ont adhéré aux normes néoclassiques du décorum, du temps et de l'espace.