Cos'è il teatro neoclassico?

Il teatro neoclassico-spesso scritto come teatro-si riferisce a un movimento a metà del 17 ° e all'inizio del XVIII secolo in cui le arti teatrali erano definite dalle idee e dagli stili delle antiche società greche e romane. Le persone del tempo si sono concentrate fortemente sul decoro o sul comportamento dignitoso e sul realismo, e credevano che le ragioni principali di uno spettacolo fossero di fornire intrattenimento e insegnare una lezione. Paesaggi grandiosi e intricati, drammaticità elaborata e stretto preoccupazione per i classici erano i marchi del movimento, con la maggior parte delle produzioni anche caratterizzate dall'uso di cinque atti, poche esibizioni e un alto livello di improvvisazione. Il movimento è iniziato in Francia ma si è rapidamente diffuso in Europa e oltre.

Principio guida dell'epoca

La filosofia generale durante l'era neoclassica era che i periodi precedenti erano stati troppo rilassati, concentrandosi eccessivamente sulle emozioni e sull'individuo. La gente dell'epoca credeva che fosse NecesDi conseguenza, esercitarsi di una moderazione e concentrarsi maggiormente su ciò che ogni persona potrebbe contribuire a tutta la società. Hanno cercato ispirazione su come farlo nelle culture degli antichi greci e romani, i classicisti originali, e hanno tentato di tornare al modo in cui quei gruppi avevano gestito la vita e le arti.

Le cinque regole

L'atteggiamento dei neoclassicisti verso l'eccesso e l'individuo li ha portati a sviluppare una serie rigorosa di linee guida per ciò che era appropriato nel teatro. Questi includevano cinque regole di base: purezza della forma, cinque atti, verisimilitudine o realismo, decoro e scopo. Le case di gioco hanno generalmente respinto script o produzioni che non soddisfacevano questi requisiti.

drammaturghi e attori nel periodo neoclassico hanno riconosciuto ufficialmente solo due tipi di opere teatrali: commedia e tragedia. Non li hanno mai mescolati insieme e la restrizione ha portato all'usoL'ormai noto paio di maschere felici e tristi che simboleggiano le arti teatrali. Inoltre, ulteriori clausole hanno governato l'argomento e i personaggi che potrebbero apparire in ciascun genere di gioco. Le commedie, che erano o saTIRE o commedie di maniere, tendevano a concentrarsi sui ranghi inferiori della società, mentre le tragedie rappresentavano le vite complesse e fatidiche delle classi e dei reali alti. L'adesione a questi generi era fondamentale per il successo di una commedia e la deviazione di questi confini della classe andava contro l'ordine dei classici.

L'idea che un'opera teatrale debba essere strutturata con esattamente cinque legami con i tre principi, o unità, ideata da Aristotele. Come filosofo e analista, credeva che il teatro buono e realistico richiedesse unità di azione, luogo e tempo, che significa pochissimi sottotrame, restrizione di turni in posizione o geografia e mantenendo la sequenza temporale della trama a non più di 24 ore. I drammaturghi che si sono trasferiti in diversi formati di solito incontravano forti critiche.Oltre alla limitazione in cinque atti, le produzioni più gravi sono state date solo una o una manciata di spettacoli, perché le persone coinvolte volevano evitare di creare occhiali e di fare appello all'élite o appreso nella società, il che ha portato a un pubblico molto più piccolo.

Le persone che vivono in questo periodo di solito si aspettavano anche che gli attori fossero il più realistici possibile e descrivessero i loro personaggi esattamente come si sarebbero comportati. In altri stili di teatro, gli attori erano noti per essere eccessivamente drammatici o agire al di fuori della loro classe o ruolo, ma il neoclassicismo ha richiesto una stretta aderenza alla classe, allo stato sociale, al temperamento e al genere. Elementi fantastici o soprannaturali, insieme a soliloqui e cori, di solito non erano inclusi, perché non rappresentavano l'esperienza o il comportamento del mondo reale.

Il decoro

ha chiesto sceneggiature per dimostrare l'equità nel modo in cui i personaggi venivano ritratti e giudicati sul palco. Significava anche che la giustizia sarebbe stata consegnata quando necessario, quindi ci sono generiLly non furono finali a sorpresa nel teatro neoclassico, nel senso che i personaggi con un buon giudizio morale fossero sempre stati ricompensati e quelli che avevano fatto scelte povere o malvagie furono puniti. Alla fine le produzioni avrebbero dovuto soddisfare gli scopi di insegnare una lezione morale e intrattenimento.

Il palcoscenico, i set e i costumi

I set

nel teatro neoclassico erano drammatici, elaborati e ricchi. Sono stati progettati per fornire uno sfondo lussureggiante a ogni scena e per aiutare il pubblico a perdere nel dramma. Un altro obiettivo era fornire un'illusione realistica di profondità e percezione. Le fasi stesse sono state riprogettate durante questo periodo con archi drammatici per evidenziare le scene e più punti di ingresso sul palco. L'idea di cambiare scenario e fondali diventano più importanti, in particolare con l'invenzione dei sistemi di pulegge che hanno permesso alle parti di muoversi più rapidamente sul palco. L'illuminazione e gli effetti sonori hanno aumentato l'umore e il messaggio di ogni scena, migliorando THa un'esperienza drammatica.

Naturalmente, gli indumenti drabistici sarebbero stati un po 'fuori posto nel contesto di questi nuovi set e design da palcoscenico. Sebbene i costumi mantenessero un senso di realismo, erano ancora molto colorati, spesso usando pizzo e altri abbellimenti per renderli più attraenti. A volte, quelli nella commedia usavano anche le maschere, mantenendo lo stile di Commedia Del'arte.

Improvvisazione

In molti casi, i drammaturghi avrebbero fornito solo uno schema sciolto di una trama e gli attori dovevano improvvisare per colmare eventuali lacune. Ciò era più comune con le commedie, ma si è verificato in entrambe le forme, perché indossare una performance spesso è stata una decisione spontanea che non ha sempre permesso molto tempo per la scrittura o le prove. In alcune troupe, le persone si sono specializzate nel interpretare un numero molto limitato di personaggi in modo da poter catturare le persone meglio al volo, e alcuni attori si sono dedicati a recitare gli stessi ruoli su tutta la loro carriera.

IntroDuzione delle donne

Per centinaia di anni, solo agli uomini è stato permesso di essere sul palco. L'opinione generale era che le donne non dovessero essere coinvolte negli occhiali pubblici o messe in una posizione più importante, e alcune persone credevano che le donne fossero così impegnate a pensare ad altre cose che non potevano ricordare e consegnare correttamente le linee. I ragazzi prepubescenti o uomini che potevano manipolare le loro voci hanno assunto ruoli femminili di conseguenza. Durante il periodo neoclassico, tuttavia, alle donne è stato permesso di essere azionisti delle compagnie teatrali e di partecipare alle produzioni, risultando in alcune delle prime attrici retribuite professionali.

I principali drammaturghi

Mentre ci sono stati molti drammaturghi di successo durante il movimento neoclassico, tre drammaturghi hanno ottenuto una notevole quantità di successo e notorietà. Pierre Cornielle (1606-1684) è spesso chiamata padre della tragedia francese, scrivendo sceneggiature per più di quattro decenni. Jean-Baptiste Poquelin-meglio noto comeMolière (1622-1673) - è noto per le sue commedie. Jean Racine (1639-1699) era un tragediano amato per il suo approccio semplicistico all'azione e per i ritmi e gli effetti linguistici che ha ottenuto. Tutti e tre questi uomini sono stati in grado di prendere elementi dalla letteratura classica greca e romana e trasformarli in opere teatrali che hanno aderito agli standard neoclassici di decoro, tempo e spazio.