Wat is het neoklassieke theater?

Neoklassiek theater-vaak gespeld als theater-verwijst naar een beweging in het midden van de 17e tot vroege 18e eeuw waarin de theatrale kunsten werden bepaald door de ideeën en stijlen van oude Griekse en Romeinse samenlevingen. Mensen van die tijd legden een zware focus op decorum, of waardig gedrag, en realisme, en ze geloofden dat de belangrijkste redenen voor een toneelstuk waren om entertainment te bieden en een les te geven. Grand, ingewikkeld landschap, uitgebreid drama en strikte zorg voor de klassiekers waren oormerken van de beweging, waarbij de meeste producties ook gekenmerkt waren door het gebruik van vijf acts, weinig prestaties en een hoog niveau van improvisatie. De beweging begon in Frankrijk, maar verspreidde zich snel door Europa en daarna.

De algemene filosofie tijdens het neoklassieke tijdperk was dat de vorige periodes veel te laks waren geweest en zich overdreven op emoties en het individu richtten. Mensen van die tijd geloofden dat het noodzakelijk wassary om als gevolg daarvan enige terughoudendheid uit te oefenen en zich meer te concentreren op wat elke persoon zou kunnen bijdragen aan de hele samenleving. Ze zochten naar inspiratie over hoe dit te doen in de culturen van de oude Grieken en Romeinen, de oorspronkelijke klassiekers, en probeerden terug te keren naar de manier waarop die groepen het leven en de kunst hadden behandeld.

de vijf regels

De houding van de neoklassici ten opzichte van overtollig en het individu leidde hen tot een strikte reeks richtlijnen voor wat geschikt was in het theater. Deze omvatten vijf basisregels: zuiverheid van vorm, vijf handelingen, waarheidsgetrouwheid of realisme, decorum en doel. Speelhuizen verwierpen over het algemeen scripts of producties die niet aan deze vereisten voldeden.

Playwrights en acteurs in de neoklassieke periode erkenden officieel slechts twee soorten toneelstukken: komedie en tragedie. Ze hebben deze nooit samen gemengd, en de beperking leidde tot het gebruik vanHet nu bekende paar gelukkige en trieste maskers die de theatrale kunst symboliseren. Bovendien regelden extra bepalingen het onderwerp en de personages die in elk genre van spel zouden kunnen verschijnen. Komedies, die satires of komedies van manieren waren, hadden de neiging zich te concentreren op de lagere rangen van de samenleving, terwijl tragedies het complexe en noodlottige leven van de hogere klassen en royals portretteerden. De naleving van deze genres was van cruciaal belang voor het succes van een toneelstuk, en afwijken van deze klassengrenzen ging in tegen de orde van de klassiekers.

Het idee dat een toneelstuk moet worden gestructureerd met exact vijf handelingen banden met de drie principes, of eenheden, bedacht door Aristoteles. Als filosoof en analist geloofde hij dat goed, realistisch theater eenheid van actie, plaats en tijd vereiste, wat zeer weinig subplots betekent, beperking van verschuivingen in locatie of geografie en de plottijdlijn tot niet meer dan 24 uur behouden. Playwrights die naar verschillende formaten verhuisden, hebben meestal zware kritiek gehad.Naast de beperking van vijf act, kregen de meeste serieuze producties slechts één of een handvol uitvoeringen, omdat de betrokkenen wilden vermijden om bril te creëren en een beroep te doen op de elite of geleerd in de samenleving, wat resulteerde in een veel kleiner publiek.

Mensen die in deze periode wonen, verwachtten meestal ook dat acteurs zo realistisch mogelijk zouden zijn en hun personages precies afbeelden als ze zouden hebben gedragen. In andere stijlen van theater stonden acteurs bekend als overdreven dramatisch of handelen buiten hun klasse of rol, maar neoklassicisme riep op tot strikte naleving van klasse, sociale status, temperament en geslacht. Fantastische of bovennatuurlijke elementen, samen met soliloquies en refreinen, meestal niet inbegrepen, omdat ze geen echte ervaring of gedrag vertegenwoordigden.

Decorum riep op tot scripts om billijkheid aan te tonen in de manier waarop personages werden afgebeeld en beoordeeld op het podium. Het betekende ook dat gerechtigheid zou worden geleverd wanneer dat nodig zou worden, dus daar generaLly waren geen verrassende eindes in het neoklassieke theater in de zin dat personages met gezond moreel oordeel altijd werden beloond, en degenen die slechte of slechte keuzes hadden gemaakt, werden gestraft. Producties zouden uiteindelijk de doeleinden moeten vervullen van het onderwijzen van een morele les en entertainment.

het podium, sets en kostuums

Sets in het neoklassieke theater waren dramatisch, uitgebreid en rijk. Ze zijn ontworpen om een ​​weelderige achtergrond voor elke scène te bieden en om het publiek te helpen zichzelf te verliezen in het drama. Een ander doel was om een ​​realistische illusie van diepte en perceptie te bieden. De fasen zelf werden in deze periode opnieuw ontworpen met dramatische bogen om de scènes en meerdere toegangspunten op het podium te benadrukken. Het idee van het veranderen van landschap en achtergrond wordt prominenter, vooral met de uitvinding van poeliesystemen waarmee onderdelen sneller over het podium konden bewegen. Verlichting en geluidseffecten verhoogden de stemming en boodschap van elke scène, waardoor T wordt verbeterdhij dramatische ervaring.

Natuurlijk zouden saaie kledingstukken enigszins misplaatst hebben gekeken in de context van deze nieuwe sets en podiumontwerpen. Hoewel kostuums een gevoel van realisme hielden, waren ze nog steeds erg kleurrijk en gebruikten ze vaak kant en andere verfraaiingen om ze aantrekkelijker te maken. Soms gebruikten degenen in het stuk ook maskers, in overeenstemming met de Commedia Dell'arte -stijl.

improvisatie

In veel gevallen zouden toneelschrijvers slechts een losse omtrek van een plot bieden, en van de acteurs werd verwacht dat ze improviseren om eventuele hiaten in te vullen. Dit kwam vaker voor bij komedies, maar het gebeurde in beide vormen, omdat het vaak een spontane beslissing was die vaak een spontane beslissing was die niet altijd veel tijd gaf om te schrijven of te repeteren. In sommige troupes gespecialiseerd mensen zich in het spelen van een zeer beperkt aantal personages, zodat ze meteen beter konden vastleggen, en een paar acteurs wijdden zich aan het uitvoeren van dezelfde rollen gedurende hun hele carrière.

introductie van vrouwen

Gedurende honderden jaren mochten alleen mannen op het podium staan. De algemene opvatting was dat vrouwen niet betrokken moesten worden bij openbare bril of in een meer prominente positie moesten worden gezet, en sommige mensen geloofden dat vrouwen zo druk bezig waren met andere dingen die ze onmogelijk konden herinneren en lijnen goed konden leveren. Prepubescente jongens of mannen die hun stemmen konden manipuleren, namen daardoor vrouwelijke rollen. Tijdens de neoklassieke periode mochten vrouwen echter aandeelhouders van theatergezelschappen zijn en deelnamen aan producties, wat resulteerde in enkele van de eerste professionele betaalde actrices.

grote toneelschrijvers

Hoewel er veel succesvolle toneelschrijvers waren tijdens de neoklassieke beweging, bereikten drie toneelschrijvers een aanzienlijke hoeveelheid succes en bekendheid. Pierre Cornielle (1606 - 1684) wordt vaak de vader van de Franse tragedie genoemd en schrijft meer dan vier decennia scripts. Jean-Baptiste Poquelin-beter bekend alsMolière (1622 - 1673) - staat bekend om zijn komedies. Jean Racine (1639 - 1699) was een tragedian geliefde voor zijn simplistische benadering van actie en de taalritmes en effecten die hij bereikte. Alle drie deze mannen waren in staat om elementen uit de klassieke Griekse en Romeinse literatuur te nemen en om te zetten in toneelstukken die zich hechten aan de neoklassieke normen van decorum, tijd en ruimte.